Lupas (330)

O filme que recolocou os Estúdios Disney de volta no mapa das animações é cheio de personalidade e transborda liberdade criativa, principalmente no que diz respeito à concepção dos personagens, aos excitantes números musicais e ao emprego do humor - elementos básicos da infalível fórmula mágica da produtora. O deslize vem nas sequências finais, que constituem um clímax atropelado, avesso à sensibilidade que vinha se desenhando, e que boicota o esperado apogeu daquela vilã realmente fascinante.

Um filme que, por dar uma nova roupagem a personagens já bem conhecidos, acerta ao focar no amadurecimento das relações, explorando afetos e abalos, em vez de criar invenciones narrativas que anulariam a justificativa sincera da obra. Podemos observar, logo, um humor simples prosperando, uma naturalidade guiando a construção da figura da criança e, por fim, um cuidado estético orbitando a recriação do universo de Mauricio de Sousa, do qual decorre a um material cinematográfico visualmente lindo.

Um filme que, como seu personagem, significa muito dizendo pouco. Os problemas sociais aproximam ou afastam os personagens sem grandes falatórios; e os sentimentos deles são expostos em imagens, olhares e música. Cito como exemplo a cena em que um dos personagens, ao dar play na canção "Hello, Stranger," da Barbara Lewis, consegue exprimir, sem dizer uma só palavra, tudo o que carregava dentro de si, coroando a cena mais linda e emocionante do filme, já perto de seu desfecho.

A maior estratégia do filme para chegar ao posto de obra de arte é, principalmente, refletir em todos os seus vértices a concepção artística que se tece nas falas e no pensamento dos personagens. Assim, ao articular uma história lindíssima, emoldurada pelos belos cenários parisienses e pela música deleitosa, à artificialidade gritante dos personagens, forjando uma natureza própria, suspende a realidade de forma estranha, convidando o leitor a assistir a uma fabricação explícita da arte.

Petra Costa articula o tom intimista e pessoal de seu cinema com a esfera pública; sua habilidade de leitura de imagens retoma gravações e momentos diversos de anos passados para demonstrar que tudo, de algum modo, sempre esteve latente; o aspecto de thriller não poderia ser mais acertado ao apontar para o banditismo que continua vindo à tona a olhos vistos. Se não acrescenta nada de realmente inovador à nossa percepção, consegue ligar os pontos de forma ágil, comovente e com linguagem simples.

Considerando que atualiza o clássico conto com uma protagonista moderninha, cai no erro de não só perder tempo demais com discursos repetitivos sobre o amor (que se materializam principalmente na figura entediante do galã), mas o faz com mais insistência que as próprias versões inteiramente românticas de Cinderela! E tendo em vista o público-alvo, seria mais interessante ter focado nas coadjuvantes femininas e na mensagem de autenticidade e independência que, em algum momento, se desenhou ali.

Almodóvar não se priva de usar os mais perturbadores recursos narrativos para dar vida a uma obra fundamentalmente macabra, cujo desenrolar, por si só, choca e incomoda. Aqui, seu trabalho estético se revela mais sóbrio, mas ainda assim exibe sua marca, principalmente na vestimenta muito característica de determinados personagens. O grande destaque técnico fica para a violenta trilha sonora, que golpeia o espectador ao proporcionar, para cada cena, um exagero fascinante.

Almodóvar expõe aspectos de sua vida em uma narrativa que, como era de se esperar, se divide em diversas camadas estruturais conectadas de forma inteligente e abusa de elementos ficcionais que elevam o drama e o vazio dos personagens sem nunca, desta vez, chegar ao tom por vezes patético que se desenhava em trabalhos anteriores. Pedro Banderas, desde sua caracterização e de seu aprimorado trabalho corporal, consegue dar forma à melancolia e à crueza que o personagem representa.

Apesar de não trazer absolutamente nada de novo e desenvolver as relações entre os personagens da forma rasa e automatizada, consegue, ainda assim, provocar levemente quando ironiza, através dos "icebergs" e do funcionamento falsamente ético das instituições religiosas, os discursos deterministas e os malabarismos psicológicos utilizados até hoje para justificar as causas da homossexualidade.

Em vez de colocar os holofotes sobre os terrores do nazismo, Truffaut transpõe para as telas os ecos e as sombras que decorrem das tensões políticas do respectivo momento histórico e se projetam nos palcos, intensificando-se nos bastidores. E quem melhor para lidar com essa matéria histórica pela ótica de um artista do que um dos maiores artistas da França?

Uma história de autodescobrimento marcada por símbolos diversos e muito plurais - narrativas, objetos, lugares, música, gatos -, que organizam de forma charmosa e harmônica a variedade de sentimentos, sonhos e dramas que irrompem de cada personagem.

Acredito que a experiência do livro deva ser, de alguma forma, mais completa. Nas telas, o formato mudo e reduzido ao essencial resulta em um curta, de alguma forma, charmoso, mas que vale mais pelo experimentalismo do traço do pelo objetivo de se produzir algo a mais.